César Pineda Moncrieff presenta sus TRANSICIONES en el Espacio CulturalFundación Rozas-Botrán Paseo Cayalá

 

El Espacio Cultural de  Rozas-Botrán de Paseo Cayalá presenta la muestra TRANSICIONES,   del 20  de septiembre al 3 de noviembre de este año. El artista apoya  las obras sociales de la Fundación donando parte del monto recaudado a los fondos de la misma. La entrada es libre en los horarios del Centro Comercial.

La obra de César Pineda Moncrieff (Guatemala, 1980), tiene un sello personal auténtico e incuestionable, que manifiesta características del neo-barroco latinoamericano, como el horror al vacío, en el que se multiplican los elementos que llenan totalmente el área. Así es el trabajo de César, “una tendencia instintiva, un arte en movimiento que va de un centro hacia fuera y va rompiendo, en cierto modo, su propios márgenes, jugando con las luces y las sombras”.     

De su obra también se ha dicho que es un nuevo surrealismo, sin embargo, las extraordinarias manifestaciones visuales surrealistas fueron premeditadas, calculadas perfectamente para provocar sensaciones asombrosas, muy bien fabricadas. Nosotros consideramos que su inspiración nace del acontecer cotidiano, proveniente del mundo barroco desarrollado en el istmo centroamericano por medio de la herencia prehispánica y la posterior influencia europea, con sus luces y sus sombras; sus encuentros y desencuentros.

Como todos los seres humanos, en varios momentos de la vida, la expresión visual de César Pineda Moncrieff ha tenido, y seguirá teniendo, etapas de transición que representan fases de cambio entre una experiencia y otra, que traen como resultado un desarrollo en su vida personal. Lógicamente, el concepto de transición lo inquieta cuando se pregunta por el sentido de la vida y el final de esta. 

Los temas que inspiran la obra que se expone en el Espacio Cultural de la Fundación Rozas-Botrán en Paseo Cayalá manifiestan la ansiedad que ocasionan las transiciones. No cabe duda que, si algo distingue a los seres humanos del resto de las otras formas de vida del planeta es que en algún momento, la vida, tal y como la conocemos, llegará a su fin.

Los dibujos y las pinturas de Pineda Moncrieff presentan historias de vida puestas en escena. Generalmente contienen un personaje principal rodeado de objetos fuertemente simbólicos como el gato, animal imperturbable, silencioso y misterioso y el hombre del sombrero de copa, capaz de traer a colación temas imprevistos o inoportunos, entre otras figuras  cuya simbología debemos descifrar.

Estamos seguros que esta exhibición despertará la imaginación y la creatividad, y propiciará el diálogo enriquecedor entre los grupos de espectadores, quienes podrán convertirse en personajes de las historias narradas por el artista.


 

Fundación Rozas-Botrán y el ingeniero William Morataya Molina lanzan la primer App con objetivos culturales y sociales en Guatemala

 

Con sentido social, la aplicación pretende ser un portal de oportunidades entre públicos interesados en el arte y  artistas centroamericanos

 

La iniciativa de la Fundación Rozas-Botrán y su desarrollador al crear este nuevo producto,  nos permitirá generar una novedosa experiencia con los usuarios y un acercamiento inmediato con las nuevas formas de socialización de las generaciones virtuales.

 

Los invitamos a descargar una App amigable con contenidos formativos de arte y cultura, con una agenda de eventos afines a estos temas. El usuario en general encontrará variadas exposiciones de colecciones de obras de arte. Los artistas encontrarán sitios para el emprendimiento dentro de la industria cultural y oportunidades de negocios en el mundo del arte.

La App será un canal de comunicación y aprendizaje artístico y cultural a partir de catálogos digitales con información sobre los artistas y sus obras. Asimismo, el usuario podrá donar a los programas sociales de la Fundación Rozas-Botrán y hallará una tienda virtual, con productos como libros digitales, entre ellos, la publicación Entre Siglos, Arte Contemporáneo de Centroamérica y Panamá. Estará disponible en APP Store, de forma gratuita, a partir del 18 de agosto.

Busca y descarga la App para el sistema IOS como Rozas-Botran



 

EL MINISTERIO DE CULTURA Y DEPORTE, FUNDACIÓN CREA Y EL MUSEO DE ARTE MODERNO INICIAN LAS LABORES DE RESTAURACIÓN DE LA OBRA ICÓNICA “MÚSICA GRANDE” DEL MAESTRO DE LA PLÁSTICA GUATEMALTECA EFRAÍN RECINOS

Guatemala junio 2019 - La figura del maestro Efraín Recinos ha sido retratada en muchas publicaciones en donde ha quedado impreso su proceso de entrega, sus convicciones y pasión por la vida. Su genio creativo se ha materializado en muchas de sus obras majestuosas, obras que ha otorgado a Guatemala una identidad propia, como el Teatro Nacional, el Teatro al Aire Libre, el Conservatorio Nacional de Música, el Crédito Hipotecario Nacional y los relieves de la Hemeroteca, entre otros.

Su temple y presencia se han moldeado en escultura de importante presencia como Música Grande, la Guatemalita y Caballero del Quetzal, entre tantas otras. Su pasión por la música ha quedado fundad con una constante presencia en su hogar, su teatro, sus difusores acústicos.

Música Grande es una escultura, que hoy en día se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Guatemala y la cual es un símbolo de la identidad guatemalteca representando nuestro símbolo nacional: La Marimba. Está compuesta por figuras humanoides que muestran los dientes como enardecidos y su mirada es eufórica. En sus manos sostienen cañones y batones, elementos bélicos y represivos utilizados por las autoridades para ejercer control de forma violenta hacia los actos subversivos y el alzamiento popular. Los pies de la las figuras humadas están revestidos con sandalias (caites), indumentaria común y antiguamente de uso diario de los indígenas de nuestro país.

Los cuerpos se encuentran fundidos con el instrumento musical y símbolo nacional, logrado unificar las demás figuras. Sobresalen seis manos con cañones que apuntan al espectador y que parecieran las baquetas con las que se interpreta el instrumento musical, los mismos que amenazan a quien se encuentre en frente de la obra.

Todo esto es la anécdota de la propia experiencia del maestro Recinos, quien vivió y vio con sus propios ojos la represión, desaparición y violencia con la que las autoridades sometían a aquellos que pensaran de forma distinta durante los turbulentos años sesenta en Guatemala, presenciando el estallido de una guerra sangrienta que se avecinada en las próximas décadas y dividiría para siempre a los habitantes de nuestro país.

La obra está compuesta en varios ensambles y empalmes, con distintos tipos de madera como pino, playwood, cedro, durpanel, sauco, entre otras. Éstas permiten dar contrastes a la composición, no así, los material son bastante inestables y propicios al ataque de agentes biológicos. Las áreas externas se encuentran realizadas con contrachapado con betas sobresalientes y se aprecia la incrustación de piezas muy pequeñas y diminutas, lo cual le brinda esa elegancia y delicadeza que acostumbraba Efraín.

Por el estado de conservación en el que actualmente se encuentra la obra y el riesgo que se corre actualmente por la posible pérdida de una de las obras ícono de la identidad guatemalteca, con un convenio público-privado entre el Ministerio de Cultura y Deporte y Fundación CREA (Rozas-Botrán) se logra iniciar de forma histórica la restauración de la obra Música Grande del maestro Efraín Recinos.



Objetos únicos que contribuyen a la preservación de la artesanía son elevados OBJETOS ÚNICOS DE ARTE y se presentan en la Galería de Ciudad Cayalá

La Fundación Rozas-Botrán ofrece, en La Galería de Paseo Cayalá, una exhibición de Objetos únicos para contribuir con la preservación de la artesanía “elevada a objeto de arte”. Ambos resultados son fruto de la creatividad guatemalteca y forman parte de nuestro acervo cultural. La colectiva estará abierta al público desde el 9 de septiembre hasta el 21 de octubre, la entrada es libre en los horarios de lunes a sábado de 10 AM a 7 PM y domingos de 10 AM a 6 PM. la Galería y parte de los recaudado se destinará a las obras sociales de la Fundación dentro de ellas INVEGEM, CREA y el MURB

En la Revista Cultura y Desarrollo No. 6 de la UNESCO, aparece un artículo sobre la profundidad cultural del desarrollo que destaca la importancia de estimular la trasmisión de la cultura como formadora de valores para que los individuos se adapten y trasformen la realidad.

El documento señala el valor de la creatividad tanto para la producción de un nuevo objeto o forma artística, como para solucionar problemas en cualquier terreno imaginable.

Dentro de ese planteamiento, adquiere sentido el estudio de la artesanía, ese artículo que se elabora manualmente y que expresa formas tradicionales de producción en plena era digital, cuando nos impactan día a día las novedades que salen al mercado, tales como un objeto que es a la vez teléfono, cámara fotográfica, computadora y reproductor de música y vídeo.

Si bien es cierto que las unidades electrónicas nos dan una visión actual del mundo -porque modifican el empleo del tiempo, las relaciones interpersonales y el imaginario social- la artesanía crece y adquiere mayor reconocimiento cuando se asocia a la importancia de la conservación de la diversidad cultural, el papel activo de los conocimientos tradicionales en la dinámica de cambio social y el lugar central de la cultura y la creatividad como factor de desarrollo humano.

Con esa visión, un grupo de artistas visuales se ha dedicado a interpretar algunos productos artesanales representativos de distintas localidades guatemaltecas, transformándolos en objetos únicos de arte.

Tal es el caso de Enrique Cay, quien presenta sus incomparables barriletes como objetos independientes que llevan mensajes al cielo. Dentro de la tendencia pop está Mere Godoy -inspirada en la dulcería guatemalteca- con  el tema de los chupetes de azúcar caramelizada y los rosarios de panelitas; Danilo Rosales pinta bodegones en donde aparece la cerámica antigüeña y sololateca; Rodolfo Guevara escoge el origami -producto manual de la tradición japonesa- para sus esculturas y, Aliix Mendoza realiza monumentales mazorcas de maíz, elemento vital de la región mesoamericana. Dentro del grupo se encuentra Sergio Alvarado, con la representación impresionista que sintetiza la fusión del paisaje con los textiles guatemaltecos.  

RESEÑA DE LOS ARTISTAS

Sergio Alvarado
Su obra destaca por la representación impresionista del paisaje que sintetiza la trama de los textiles guatemaltecos. Representa fantásticamente el altiplano guatemalteco. Se inspira en el pasto, las flores y la lejanía de las montañas en donde nace y se pone el sol. Su técnica tiene como referente la tradición textil del telar de pie. De la misma forma en la que  se renueva la tierra y da nuevos frutos, así es la vida artística de Sergio: un florecimiento constante.

Aliix Mendoza
Vive en el lado suroccidental del Lago de Atitlán, rodeado por los cerros de Las Cristalinas, Kyaq Aaba'aj, cerro Kajnom. Es la parte de San Juan La Laguna, e donde se han establecido los maya tz'utujiles. Aliix administra una galería de arte que promueve a otros notables artistas del lugar. Su obra destaca por la representación del maíz, grano fundamental de la identidad Maya.

Mere Godoy
Inicia su camino a través de la pintura, la porcelana y el Sumi-e. Ejercita la escultura y pintura sobre madera y la fundición en resina. Trabaja en barro, fundición de bronce y talla de piedra. La variedad de su obra muestra la diversidad de su ser; su producción da paso a la catarsis y a la  satisfacción en la variedad de expresivo, a una forma de dar salida a su interior y relevar el día a día, un compañero de vida. En sus temas sobresale la cultura popular. La manera de experimentar con el tamaño y el volumen de objetos de la cultura popular cautiva al espectador.   

Enrique Cay
Su talento artístico lo ha llevado a exponer en innumerables ocasiones dentro y fuera de Guatemala. Su obra ha sido vista en la República Dominicana, China, California Nueva York,  Nicaragua, España y Panamá. Lo distingue la aplicación de técnicas y colores en las interpretaciones del misticismo de la cultura Maya y las tradiciones de Sumpango, su tierra natal. Nos ha sorprendido con piezas esculturóricas, que representan el vuelo de barriletes gigantes, bailes ceremoniales, leyendas de Guatemala, cuadros costumbristas, mitos y aspectos de las cofradías religiosas, entre otros temas.

Rodolfo Guevara
Las grullas de origami (pajaritas de papel) tienen muchos significados, desde los  relacionados con la tradición ancestral japonesa hasta la intención de Rodolfo, que suma a los múltiples significados en hecho de convertirlas en objetos de arte de un preciosísimo estético aportado por el acabado industrial perfecto que no tiene margen de error. Estas esculturas recuerdan la búsqueda de paz, salud, prosperidad, bienestar, felicidad y fortaleza. En conjunto significan la unidad de la familia y cada color influye de manera positiva en la vida de en sociedad.  

Danilo Rosales
Vive en Zaragoza, Chimaltenango, en Guatemala. Su estilo se ha destacado por el realismo perfecto que manifiestan sus pinturas. A pesar de poseer una trayectoria de más de 10 años, pocas personas conocen su trabajo. Ha recibido varios premios y reconocimientos en exhibiciones colectivas. Ha participado en talleres guiados por Marvin Olivares, Leonel del Cid, Jorge Mazariegos, Manolo Gallardo, Ernesto Boesche y Alejandro Wer. así como en la Fundación ARAUCO, en Madrid España.


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Piezas icónicas de la Fundación, la obra de Erick Menchú y las 7 obras de palabras prestadas se presentan dentro de la COLECTIVA DE ARTE en la GALERÍA ROZAS-BOTRÁN

La Galería Rozas-Botrán ofrece el recorrido de su espacio, ocupado por un centenar de obras distribuidas de forma orgánica, para propiciar el encuentro con el arte visual. La museografía ha creado un entorno que deja atrás la realidad, para que cada persona encuentre momentos de espiritualidad y de gozo estético. La colectiva estará abierta al público desde ahora y hasta el 28 de septiembre, la entrada es libre en los horarios de la Galería y parte de los recaudado se destinará a las obras sociales de la Fundación dentro de ellas INVEGEM, CREA y el MURB.

Las técnicas y los temas varían. Hay dibujos y pinturas, fotografías y esculturas en metal, piedra y materiales sintéticos. Los temas van desde registros urbanos y paisajes hasta propuestas figurativas, abstractas y surrealistas.

En general, domina el estilo ecléctico. Entre la gama de propuestas se percibe la misión de los artistas: trasladar sus más íntimos pensamientos -magnificados o tamizados por su sensibilidad- para sorprender al espectador y guiar su visión hacia temas cotidianos, provocando la reflexión.

Dentro de la muestra se presenta la obra árboles y gatos de Erick Menchú, Ganador Único del festival Arte en Mayo 2019, obras que son consecuencia natural del trabajo que el artista ha venido haciendo desde hace años, partiendo de dos elementos básicos: la familia y el árbol. Árboles blancos que representan a personas de una sociedad. Gatos con personalidad propia que atraen e intrigan. La versatilidad de la línea es el sello de estos objetos de colección creados por el artista, plenamente instalado y reconocido en el ámbito artístico centroamericano. En ambos, se valorizan la línea y la forma como huella de la creación.

También se encuentran las 7 obras de Arte en las Calles 2019 que participan en el programa Palabras prestadas, dirigido a personas con discapacidad visual. El programa construye un camino hacia una sociedad inclusiva, por medio de la empatía y el aprendizaje. El método permite que las personas no videntes tengan la oportunidad de comunicarse y disfrutar de la arquitectura, para desarrollar más su imaginación.

A lo largo de su historia, la Fundación Rozas-Botrán ha construido un patrimonio artístico con un carácter social, cultural e histórico.

La Colectiva en exhibición plantea una nueva puesta en escena de piezas de alto valor e importancia de la colección de la Fundación. Muchas de ellas identificadas como “Blue chips”, que según la casa de subastas Christie’s, de Nueva York, significa que son piezas icónicas, con mucha fuerza, un valor histórico intrínseco, y con un valor monetario que garantiza una inversión segura.

Podemos afirmar que estas piezas poseen la cualidad de la unicidad, que las hace valiosas por sí mismas.

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Erick Menchú ganó el premio único del Festival Arte en Mayo 2019


Este año, Arte en Mayo reconoció el trabajo del artista Erick Menchú con el primer lugar del Festival donde Norman Morales y Ana Lorena Núñez le acompañaron como finalistas. Asimismo, se entregaron cuatro menciones honoríficas a  Dulce María González, Domingo Górriz, Alejandro Ramírez Aldana y Juan Bautista Navichoc. Todo esto, durante el coctel que se ofreció a los artistas participantes.
                                                                                                                                       
La edición número 21 del FESTIVAL INTERNACIONAL ARTE EN MAYO  se desarrolla simultáneamente en el Espacio Cultural de zona 14 del 2 de mayo al 29 de junio y en Ciudad Cayalá del 6 de mayo al 18 de junio, la entrada es libre.

La Fundación Rozas-Botrán, con fe en los artistas “testigos de esperanza para la humanidad”, creó el Festival Internacional Arte en Mayo hace 21 años. Este programa promueve la producción artística centroamericana, panameña y de otros países latinoamericanos y fomenta el coleccionismo. Asimismo, Arte en Mayo afianza su papel solidario con el desarrollo armónico de la comunidad, aportando acciones concretas en el ámbito de la salud, que favorecen el cuidado de las personas, principiando por los más pequeños e indefensos.

Recordemos que, la Fundación, surgida cerca del año 1915, en Quetzaltenango, fortaleció, en pleno siglo XX, su disposición a “El Arte de Ayudar” por medio de una alianza bondadosa con  artistas y otras personas que colaboran con el Campus Médico San José.

Las tareas en el Campus van desde la investigación científica y el diagnóstico para el tratamiento adecuado de las enfermedades metabólicas y genéticas, por medio del INVEGEM, y el cuidado a recién nacidos, niños, adolescentes y adultos con VIH/SIDA, a través del Hospicio San José, hasta la gestión de conservación del patrimonio cultural, apoyada en la ciencia aplicada, que realiza la Fundación Centro de Rescate, Estudio y Análisis Científico para el Arte -CREA-.

En el ámbito cultural, cada obra de arte expuesta en nuestros espacios apoya el desarrollo integral del público que nos visita. También atendemos a coleccionistas que adquieren obras de arte como un bienes únicos. Ellos saben que, con este gesto, contribuyen con el fortalecimiento de la salud de la población.



El gusto por el café y las artes visuales se unen en apoyo de las obras de Fundación Rozas-Botrán

Guatemala 5 de diciembre de 2018. Hoy, en las instalaciones de la Fundación Rozas-Botrán se presentó el proyecto “Café Naleb” que une el gusto por el café con el arte visual, surgido de la alianza entre Fundación Rozas-Botrán, la familia Zapata Thurm y la familia Posas-Obiols para buscar una forma de mejorar la calidad de vida de las familias centroamericanas.
 
Ambos bienes, arte y café, cada uno con sus propias cualidades y su particular expresión, se manifiestan  por medio de un objeto coleccionable cuidadosamente diseñado: una hermosa caja metálica, plasmada la obra del maestro Jorge Mazariegos, que contiene 400 gramos de café 100% Arábigo, cultivado en Guatemala.

La primera edición de la caja coleccionable se encuentra disponible en los supermercados La Torre a Q92.65. Un porcentaje del valor está destinado al Instituto de Investigaciones Genéticas Humanas -INVEGEM-, institución guatemalteca dedicada a la investigación científica y a la formación de recursos humanos que mejoran la calidad de vida de las personas afectadas por enfermedades de origen genético y metabólico.

Colabora con este proyecto el maestro guatemalteco Jorge Mazariegos Rodríguez, cuya obra presenta aspectos culturales que distinguen a los habitantes de las diversas regiones del país, particularmente el paisaje del altiplano guatemalteco. Es un artista que se distingue por su calidad humana, su profesionalismo y su entrega al arte, aspectos que le han sido reconocidos con innumerables menciones honoríficas y premios nacionales e internacionales.

MARIBEL SARAVIA PRESENTA EL ESPÍRITU DE LAS PIEDRAS

 

Guatemala agosto 2018 .- En la primera exposición individual de Maribel Saravia observamos la espontaneidad de su obra y la decidida actitud de pintar sin ataduras académicas. Dos años después, en El Espíritu de las Piedras, encontramos una propuesta nueva, dentro de su propio estilo y autenticidad, manifestada con gran ímpetu expresivo.  La muestra permanecerá abierta en la Galería Puntocero,  12 calle 2-25  zona 10, edificio AVIA 2do. Nivel, del 23 de agosto al 30 de septiembre, en horario de lunes a domingo de 10 am a 8 pm. La entrada es libre

Al recorrer la exhibición, nuestra mirada penetra en sus cuadros, llenos de movimiento, atrapándonos y llevándonos literalmente a formar parte de la densidad y el ritmo de las formas. Las composiciones han sido logradas con movimientos firmes y seguros, que prácticamente surgen de la habilidad física de la artista al maniobrar la resina líquida sobre el soporte.

En su obra, Maribel nos anima a intuir el tiempo a partir de la creación de formas que nos cautivan, produciendo en nosotros cierto temor a lo desconocido, porque traen a nuestra mente la visión fantástica de grutas, remolinos, las entrañas de la tierra o la profundidad del cielo. Es el Arte, transmitiéndonos sensaciones que la rutina de la vida cotidiana no nos permite percibir.    

Además de divertirse durante cada paso de la preparación de esta muestra, la artista aporta un nuevo enfoque a su anterior tendencia. Ahora juega con un “personaje matérico”. Se trata de la piedra. No cabe duda que está fascinada por las texturas y colores de este material que ha sido utilizado de diferentes formas,  desde la antigüedad, en las expresiones artísticas de toda cultura que ha perdurado al pasar el tiempo.

En las sociedades antiguas se rendía culto a la piedra, tanto por su realidad material como por el simbolismo que llegó a tener para responder a grandes interrogantes del ser humano. Así, hubo piedras que llegaron a considerarse “sagradas”. Transcurrió el tiempo y esta materia sufrió transformaciones al ser tallada y pulida. En la actualidad, además de ser intervenida con martillo y cincel, hay artistas que las emplean en su forma originaria. Así, naturales, han deslumbrado la retina de Maribel, de tal manera, que las representa tratando de capturar sus serpenteos, brillos y matices.

La piedra es ahora el personaje central y misterioso de los mensajes encriptados de la artista, que esperan ser interpretados por el público. Una vez más, la obra de Maribel será una salida para la rutina del espectador; quizá, entre otras percepciones, el arte provocará en nosotros el recuerdo de aquellas piedras sagradas que guardamos en nuestro imaginario heredado. La artista seguramente seguirá su camino, en la búsqueda de nuevas experiencias para liberar su necesidad de expresión.

 

Los espacios culturales de la Fundación Rozas-Botrán  de zona 14 y  de Ciudad Cayalá albergarán este año el festival artístico mas importante del año en Guatemala
                                                                                                                                       

La edición número 21 del FESTIVAL INTERNACIONAL ARTE EN MAYO  se desarrolla simultáneamente en el Espacio Cultural de zona 14 del 2 de mayo al 29 de junio y en Ciudad Cayalá del 6 de mayo al 18 de junio, la entrada es libre.

Para Francisco Bergoglio, actual Papa, los artistas cumplen con la tarea de crear obras de arte para llevar una señal, un destello de esperanza allí donde las personas parecen aceptar la indiferencia y el desaliento. El Pontífice, educador, filósofo y teólogo, afirma que los “arquitectos, pintores, escultores, músicos, cineastas, escritores, fotógrafos, poetas y los artistas de otras disciplinas están llamados a hacer brillar la belleza allí donde la oscuridad o el gris dominan la vida cotidiana... los artistas son heraldos y testigos de esperanza para la humanidad”.

La Fundación Rozas-Botrán, con fe en los artistas “testigos de esperanza para la humanidad”, creó el Festival Internacional Arte en Mayo hace 21 años. Este programa promueve la producción artística centroamericana, panameña y de otros países latinoamericanos y fomenta el coleccionismo. Asimismo, Arte en Mayo afianza su papel solidario con el desarrollo armónico de la comunidad, aportando acciones concretas en el ámbito de la salud, que favorecen el cuidado de las personas, principiando por los más pequeños e indefensos.

Recordemos que, la Fundación, surgida cerca del año 1915, en Quetzaltenango, fortaleció, en pleno siglo XX, su disposición a “El Arte de Ayudar” por medio de una alianza bondadosa con  artistas y otras personas que colaboran con el Campus Médico San José.

Las tareas en el Campus van desde la investigación científica y el diagnóstico para el tratamiento adecuado de las enfermedades metabólicas y genéticas, por medio del INVEGEM, y el cuidado a recién nacidos, niños, adolescentes y adultos con VIH/SIDA, a través del Hospicio San José, hasta la gestión de conservación del patrimonio cultural, apoyada en la ciencia aplicada, que realiza la Fundación Centro de Rescate, Estudio y Análisis Científico para el Arte -CREA-.

En el ámbito cultural, cada obra de arte expuesta en nuestros espacios apoya el desarrollo integral del público que nos visita. También atendemos a coleccionistas que adquieren obras de arte como un bienes únicos. Ellos saben que, con este gesto, contribuyen con el fortalecimiento de la salud de la población.

Agradecemos su visita y esperamos que disfruten el recorrido.

Inauguración oficial
Espacio Cultural zona 14 - Miércoles 15 de mayo, 7:30 pm
INGRESO LIBRE
Estímulo a la creación nacional
Desde el pasado año, el estímulo a la creación se ha extendido hacia Quetzaltenango, cuna de grandes artistas guatemaltecos cuya obra ha dejado una huella imperecedera. Tal es el caso de Zipacná de León y Arturo Martínez. El primero, entre otros logros, puso en marcha las Escuelas Regionales de Arte, así como el Museo de Bellas Artes de Occidente Adalberto de León Soto y, en el año 2000, le fue conferido el título de Ciudadano Distinguido de la Ciudad de Quetzaltenango. El segundo, nació en Cantel, Quetzaltenango, en donde sobresalió por su calidad y su prometedora carrera artística, tanto que inspiró, en 1970, la creación del Certamen Arturo Martínez -CAM- a nivel nacional.
    
La Fundación Rozas-Botrán ha unido esfuerzos con el CAM para fortalecer esta actividad y extenderla a nuevos espacios públicos, plazas y monumentos del Centro histórico de Quetzaltenango, con una renovada visión de la pintura al aire libre. Los artistas aprovechan la maravillosa luz natural del valle de Xela para expresar sus distintos enfoques afuera de un estudio.

Los resultados obtenidos por los artistas participantes en la actividad denominada “Arte en las calles”, fueron admirables. Nos han permitido percibir un futuro prometedor para los jóvenes y han afirmado la maestría de aquellos ya establecidos. Seguramente esta actividad marcará un parte aguas en sus carreras y en la vida cultural de Xela.

La obra seleccionada de Edvin Andrés Mendoza Pérez, Arturo Tobar, Saqueo Domingo Pérez Cholotío, Domingo Gorriz Scoffield, Nicolás Tunay López, Francisco Sajvin Sajvin, Edgar Marroquín, Aliix Mendoza, Lerby Alessandro Guinea y Héctor Danilo Rosales estará presente durante nuestro XXI Festival Arte en Mayo 2019.

Estímulo para los coleccionistas
Los espacios culturales de la Fundación Rozas-Botrán se han convertido en lugares que fomentan el coleccionismo en Guatemala y, durante el Festival anual de Arte en Mayo, su función cultural potencia el momento del encuentro entre la obra de arte y el observador.

Recordemos que coleccionar es una actividad que tiene su historia y que ha progresado con el paso del tiempo. El hábito surgió en el siglo XV, cuando las iglesias de la Edad Media y los templos antiguos reunían tesoros o reservas de objetos preciosos, curiosos y exóticos. Desde el siglo XVII, se desarrollaron las colecciones especializadas, y lo que más interesó a los coleccionistas fueron las esculturas y las pinturas.

En el siglo XX se amplió el panorama. Se creó el Consejo Internacional de Museos (ICOM), que destaca las dimensiones sociales del museo y su papel educativo. Desde entonces, el alcance de las colecciones de arte ha crecido y sigue aumentando. La Fundación Rozas-Botrán ha contribuido con el debate y la reflexión sobre el arte y la cultura, particularmente por la oportunidad que sus espacios ofrecen a las distintas manifestaciones y tendencias artísticas.

Nos hemos especializado en este sentido, porque estamos conscientes de que, dentro de nuestra institución, cada obra de arte contribuye con el desarrollo integral de la persona humana en dos vías: la primera, con el cuidado de la salud de la población y la segunda, con el crecimiento cultural de las personas que asisten a las exposiciones y encuentran el gusto de poseer un bien único y significativo, que compartirá su espacio personal y privado.



La Exhibición Narrativas y procesos del Arte Contemporáneo de Medellín/ Colombia es presentada por Fundación Rozas-Botrán en alianza con Banasta Mediaciones Arte y Cultura de Colombia


Fundación Rozas-Botrán presenta la exhibición Narrativas y procesos contemporáneos de las artes plásticas y visuales en Medellín/Colombia, en alianza con la Corporación Banasta Mediaciones Arte y Cultura, institución colombiana que cumple 10 años de procesos retos y acciones de acompañamiento al desarrollo del arte y la cultura en ese país amigo.  La colectiva se inaugura el jueves 29 de agosto y estará abierta al público hasta el 27 de septiembre, la entrada es libre en los horarios de la Galería de lunes a viernes de 9 AM a 6 PM y sábados de 9 AM a 1 PM.

Con el fin de dar continuidad a sus líneas de mediación, Banasta desarrolla el proyecto de circulación y promoción de artistas colombianos en otras latitudes, buscando ampliar las visiones sobre su producto cultural y creativo y sus dimensiones y oportunidades de diálogo con propuestas alternativas y de apropiación global de las mismas.

Para llevar a cabo su propósito, el equipo directivo de la institución integra el diálogo con otras espacios expositivos, en este caso las galerías Arte Alto y José Amar, para reconocer alternativas de gestión y promoción e inclusión de otras propuestas plásticas y visuales, que permitan tener una muestra representativa en clave de aproximación a las narrativas que dinamizan las artes plásticas y visuales en Medellín y referentes en el país y en el mundo.

Después de encuentros reales y virtuales, dentro del espacio de diálogo propiciado por FUNDACULT (Acciones Culturales de Entidades Financieras y Empresas Iberoamericanas), para analizar los programas estratégicos y evaluar la posibilidad de concretar colaboraciones entre las instituciones pertenecientes a la red, se acordó la presentación de la obra de 8 artistas visuales colombianos contemporáneos en la plataforma de la Fundación Rozas-Botrán para la divulgación del arte y la cultura en Centroamérica y Panamá.

“Agradecemos dicha iniciativa a Clara Mónica Zapata, Presidenta de Banasta y al Curador y líder de líneas de investigación en Arte contemporáneo Armando Montoya, quienes propician de esta manera la apertura de múltiples posibilidades de intercambio cultural entre ambos países” Expresó José Rozas-Botrán Presidente de Fundación Rozas-Botrán.


LA COLECTIVA “ECLÉCTICA 2019” se presenta en El Espacio Cultural de Fundación Rozas-Botrán zona 14

La muestra incluye obra de los Maestros ZIPACNÁ DE LEÓN y ARTURO MARTINEZ y 7 obras que participan en el programa PALABRAS PRESTADAS para personas no videntes

El espacio Cultural Rozas-Botrán presenta cerca de un centenar de extraordinarias pinturas y esculturas distribuidas de tal manera que cada una capta nuestra atención y en conjunto nos producen un enorme gozo estético. La muestra está abierta desde ahora y hasta el 13 de abril, la entrada es libre y los horarios son de lunes a viernes de 9 AM a 6 PM y sábados de 10 AM a 1PM.

Incluidas en la muestra colectiva, se encuentran las 7 obras de Arte en las Calles 2019 que participan en el programa Palabras prestadas, para construir un camino de empatía y aprendizaje hacia una sociedad inclusiva. El espacio está dispuesto para las personas no videntes, quienes tienen la oportunidad de comunicarse y caminar por la galería, para disfrutar la arquitectura y desarrollar su imaginación.

Cada obra de Palabras prestadas tiene una cédula técnica escrita en el sistema Braille y una audioverbalización que se activa durante las visitas guiadas. El Espacio está acondicionado con una cinta de caminamiento.

Nuestro estilo es comunicar el arte a todos, respetando la motivación y el ritmo de cada persona. Procuramos el acercamiento con el arte visual  por medio del oído, la vista y el tacto, transformando realidades a través de los sentidos.

En el mundo del arte guatemalteco existe una pléyade de artistas cuya obra ha dejado una huella imperecedera. Tal es el caso de Zipacná de León y Arturo Martínez. Ambos están ligados a la historia del arte quetzalteco. El primero, entre otros logros, puso en marcha las Escuelas Regionales de Arte, así como el Museo de Bellas Artes de Occidente Adalberto de León Soto y en el año 2000, le fue conferido el título de Ciudadano Distinguido de la Ciudad de Quetzaltenango. El segundo, nació en Cantel, Quetzaltenango, en donde sobresalió por su calidad y su prometedora carrera artística, tanto que inspiró, en 1970, la creación del certamen de pintura -CAM- a nivel nacional, que lleva su nombre.

En esta exposición colectiva, los maestros coinciden de manera distinta, inspirando como siempre a las nuevas generaciones. Zipacná con la maravillosa Colección del Hotel Modelo y Arturo Martínez con la obra de los artistas seleccionados como finalistas durante el CAM del año recién pasado.

Contribuyen con esta cruzada de inclusión los artistas visuales: Carol Yurrita de Maselli, Betty Paiz, Josué Hernández, Marco Valencia, Rodrigo López Argüello, Arturo Monroy, Patty Valladares y Tache Ayala; así como las escritoras: Alejandra Colom, Ana Lu Castejón, Ana Victoria Díaz Durán, Hilda Hernández de Rojas, Marie Argueta, Nicté Serra de Piñol, Patricia Fernández y Liza Mesías en la edición y locución.



LA UNIVERSIDAD DEL ISTMO Y FUNDACIÓN ROZAS-BOTRÁN PRESENTAN LA RENOVADA COLECCIÓN  VENTANAS DEL TIEMPO

El 11 de marzo, a las 10 am, se inaugura en el Museo UNIS Rozas-Botrán Contemporáneo -MURB- la museografía 2019 abriendo las “ventanas al tiempo”. La renovada colección de arte busca reflexionar sobre el hecho la Independencia de España, cuyo bicentenario será conmemorado en el 2021.

En el MURB, presentaremos aspectos importantes sobre el tema durante tres fases, para entablar un diálogo entre la historia y el arte  visual contemporáneo. El principal objetivo es el de provocar una reflexión serena y documentada acerca de las luces y las sombras de los 200 años de la vida soberana e independiente de nuestro país.
 
Para guiar la primera fase, durante este año acudimos al Acta de la Independencia. En ella, encontramos que, a partir del decimo tercer punto se pidió a Gabino Gaínza que publicara un manifiesto “haciendo notorios a la faz de todos, los sentimientos generales del pueblo, la opinión de las autoridades y corporaciones, las medidas de este Gobierno, las causas y circunstancias que lo decidieron a prestar en manos del señor Alcalde 1º., a petición del pueblo, el juramento de independencia y la fidelidad al Gobierno americano que se establezca”.

Con el apoyo del Cronista de la Ciudad y Director del Museo Nacional de Historia, tuvimos la oportunidad de conocer ese manifiesto y elegirlo como hilo conductor para organizar la museografía. De esta manera, las pinturas, esculturas, instalaciones, objetos de arte y los apoyos escritos ofrecen la posibilidad de reflexionar sobre la declaración de las estrategias enunciadas en el documento para lograr un gobierno digno, eficaz y eficiente.

La museografía destaca también las vertientes prehispánica y española que dieron sustento a nuestras manifestaciones culturales que nos identifican como guatemaltecos. Para enfatizar algunos temas, el recorrido está enriquecido con la presencia de obras de arte provenientes de otras colecciones, entre ellas provenientes del Museo Popol Vuh, Paiz Collection y otras privadas.

Esperamos que las posibilidades para el diálogo colectivo, que surge cuando nos detenemos ante las obras de arte, faciliten al público visitante una forma novedosa para establecer sus propios criterios sobre la base de los valores propuestos en el Manifiesto de hace 200 años.

Inauguración 11 de marzo - UNIS, Campus de Fraijanes
Colecciones invitadas del Museo Popol Vuh, Pais Collection y particulares
Exhibición temporal de Waseem Syed

Escenarios Irracionales del boliviano Marcelo Suaznabar y 100 Regalos Colectiva Internacional se presentan en la Galería Rozas-Botrán de zona 14

En esta Navidad La Galería Rozas-Botrán zona 14 propone luchar contra el cáncer a través de dos exposiciones simultáneas con la misión de generar vida

La muestra inaugura el 21 de noviembre de este año  y permanecerá abierta hasta el 31 de enero del 2020, la entrada es libre y los horarios son de lunes a viernes de 9 AM a 6 PM y sábados de 10 AM a 1PM. Parte de los recaudado se destinará a las obras sociales de la Fundación dentro de ellas INVEGEM, CREA y el MURB.

El conjunto de obras llamado Escenarios irracionales, realizado por Marcelo Suaznabar para esta exhibición, muestra la modificación de la realidad por medio de figuras contradictorias que se complementan. En ellas, Suaznabar compara elementos reales e imaginarios sumergidos en escenarios absurdos que conducen hacia un mundo surrealista.

Cada obra nos sorprende porque transfiere cualidades propias de seres humanos a objetos o seres irreales. Irónicamente expresa lo contrario de lo que quiere decir, abriendo un camino al receptor para que reconozca el propósito de cada símbolo o, a lo mejor, para que formule una nueva intención. Todo ello presentado con una extraordinaria calidad del dibujo y magnífica aplicación de color.

Otro grupo de obras, de varios artistas, ofrece diversas propuestas, tendencias y estilos que matizan la unidad de la obra de Suaznabar. Asimismo, una colección cuidadosamente seleccionada ha sido destinada en un 100% al patrocinio de exámenes de leucemias. Las pruebas para las leucemias dan a los médicos la oportunidad de tener diagnósticos acertados para tratar a sus pacientes.

La combinación de tendencias y estilos en esta exposición, se encuentra enlazada por medio de nuestra misión, que seguirá invariable: fortalecer un tejido cultural incluyente y participativo para generar vida a través del arte sensorial.

De esta manera cerramos el año 2019 y nos preparamos para recibir el 2020. No cabe duda que sea cual sea la obra seleccionada para un regalo, una colección o simplemente para guardarla en cada corazón, se convertirá en un maravilloso presente de Navidad y dará una bienvenida creativa, llena de belleza y bondad al nuevo año.

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Mauricio Contreras-Paredes presenta su obra titutala STAGES OF GRIEF en el Espacio Cultural  Fundación Rozas-Botrán zona 14

 
El artista Mauricio Contreras-Paredes, expondrá en el Espacio Cultural de la Fundación Rozas-Botrán en la zona 14 una serie de obras titulada Stages of grief, del 26 de noviembre al 30 de diciembre del presente año. El artista apoya  las obras sociales de la Fundación donando parte del monto recaudado a los fondos de la misma. La entrada es libre y los horarios del espacio cultural es de lunes a viernes de 9AM a 6PM y sábados de 9AM a 1PM.

Contreras Paredes es Antropólogo y Artista Visual (BA Honours) por la Universidad de Toronto, Canadá. En 2013 fue elegido artista invitado por la organización PATCH Toronto, dedicada a la comisión de arte público de grandes dimensiones en Canadá. Ha participado en exposiciones colectivas y individuales en Centro América, el Caribe y Canadá.

Mauricio Contreras-Paredes expresa su investigación sobre sus nociones de la memoria y la distancia  se convirtió en una especie de diario habitado por escenas arquitectónicamente absurdas, psicóticamente minuciosas, artificialmente higiénicas. Detrás de todos los 'layers' de perspectiva y planos de color abstractos, se volvió casi imposible distinguir algún tipo de humanidad o de sensibilidad.

Ese juego de extremo de remover la mano del artista de su obra, de emular la perfección digital en la técnica, de indagar aspectos filosóficos a través de lo visual, lo ayudó a crear un framework conceptual apolítico, anti-personal que proveía a su trabajo de una narrativa satisfactoria para él, como creador.

En las obras de Stages of grief, los espacios estáticos que funcionaban en su trabajo anterior han sido contagiados por intervenciones lineales (gráficas y lingüísticas) que bandalizan, explotan y pausan el plano pictórico. La línea se convierte en una especie de pulso que guía al observador a través del plano, renderizando un espacio, al mismo tiempo que lo corrompe. Un espacio donde algunos componentes son pulcros, otros pareciera que no ‘cargan’, otros se renderizan con glitches (errores).

Contreras-Paredes considera que en su obra, la línea es un arma de dos filos que desmantela y crea (en algunas obras de forma romántica, en otras con cierta maldad, en otras con resignación) la estabilidad del plano. Y afirma que, “así percibe nuestra especie la pérdida -como una línea irregular, como un proceso que marca, que transforma el entorno de nuestras ficciones, de nuestro videojuego”.

 

SINOPSIS de Jonathan Ardón se presenta en Paseo Cayalá

Ardón expondrá en el Espacio Cultural de la Fundación Rozas-Botrán de Paseo Cayaláuna serie de obras titulada SINOPSIS, del 5 de diciembre al 10 de enero del 2019. El artista apoya  las obras sociales de la Fundación donando parte del monto recaudado a los fondos de la misma. La entrada es libre en los horarios del centro comercial de lunes a domingo.

Conocido como Nathan, Ardón nació en 1988 en la ciudad de Guatemala. De 2006 al 2007 estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas Rafael Rodríguez Padilla. Trabaja y vive en Guatemala. Desde los siete años descubre su fascinación por el dibujo y los trazos. Desde entonces, fue reconocido por sus compañeros de aula por esa destreza. A los 18 años decide inscribirse en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, en donde se puso en contacto con obra de grandes maestros tanto de su país natal como del mundo, lo que despertó aún más su pasión por el dibujo y la pintura.

Nathan, que así firma sus obras, ha ganado espacio y reconocimiento en el arte guatemalteco gracias a su talento y a la calidad extraordinaria de su trabajo, que ha sido expuesto en las principales galerías del país. La maestría que tiene para dibujar se manifiesta en los temas que lo rondan: aves, nidos y figura humana a lápiz y tinta, principalmente.

El proceso académico detallado es muy importante para el artista, porque tiene que ver con el oficio. Con trazos y pinceladas seguros y firmes pero absolutamente libres, resalta la exactitud de las formas que lo identifican. Como los clásicos, “aspira a obtener una representación clara y distinta de las cosas. Quiere realizar su trabajo racionalmente”. Se somete a una disciplina, pero, a diferencia de aquellos, rara vez limita su propia libertad.

En alguna ocasión, el Ardón ha admitido que “ha tenido sus altos y bajos con el tema de la formación académica, pero que lo compensa aprovechando -desde la escuela autodidacta- cada momento para consolidar sus ideas, su trabajo”. Este trabajo diario lo obligado a enfrentar sin mediaciones las condiciones físicas de su experiencia, involucrando los temas que lo apasionan, como dice Juan B. Juárez: “con delicadeza y alta precisión, sin caer en un dibujo literal o ilustrativo.”

Pájaros y nidos son las imágenes que se repiten en su obra. Las complejas enramadas tejidas reviven en nosotros el instinto ¿o la creatividad? del ave, aparentemente ingenua, que construye un refugio seguro para ocultarse en el inmenso volumen de la vida vegetal.

Al observar las  impecables líneas y las muy bien aprovechadas manchas de color, el público se contagia de la fascinación que esos elementos ejercen sobre su creador, y se anima a descubrir la poesía contenida en el espacio de los nidos y en el plumaje de sus constructores.

La obra que ha preparado para esta exposición se encuentra en el Espacio cultural de la Fundación Rozas-Botrán en Paseo Cayalá hasta el 5 de enero.
 




Fabián Hernández presenta  GUATEMÁGICA en Paseo Cayalá

El Espacio Cultural de  Rozas-Botrán de Paseo Cayalá presenta GUATEMÁGICA,   desde hoy y hasta el 29 de abril. El artista apoya  las obras sociales de la Fundación donando parte del monto recaudado a los fondos de la misma. La entrada es libre en los horarios del Centro Comercial.

Fabián Hernández nació en La Antigua Guatemala, en 1973. Se dedicó a pintar profesionalmente desde 1993. Ha expuesto su trabajo en explosiones individuales y colectivas en los siguientes espacios y galerías: El Túnel, El Sitio, Wer, The Fines Art, Antigua, Rubens, Hotel Santo Domingo, G&T, Subasta de Arte Rotario, Juannio, Salón Nacional de la Acuarela, Fundación Rozas-Botrán, Embajada de México en Guatemala; Junkabal; Traben Trarbach (Alemania); Essex Art Center, en Boston; Darsc Art;  Moyshen en San Miguel Allende, en México y otras. Es cofundador de la Casa para las Artes de la Antigua Guatemala, con los artistas Jorge Morales y Joel Batz asociación dedicada a la enseñanza de las artes a niños con talento, pero de escasos recursos y niños con capacidades especiales.

La presencia de Fabián Hernández en el Espacio Cultural de la Fundación Rozas-Botrán representa una celebración de la vocación y el talento. Nacer y vivir al pie de un majestuoso volcán, en una ciudad reconocida como patrimonio cultural de la humanidad, ha fortalecido en Fabián, desde muy pequeño, la inclinación para expresarse a través del dibujo y la pintura. A pesar de ser su gran ilusión, no pudo estudiar una carrera relacionada con sus aptitudes; sin embargo, a sus 20 años decidió dedicarse a pintar sin conocer las técnicas del dibujo y el color. La venta de estas primeras pinturas utilizando como tema pequeños detalles de su entorno, le permitió comprar los primeros libros que le enseñarían los secretos de ambos procesos.

En poco tiempo, Hernández se integró a la escuela de pintura del paisaje de la Calle del Arco en La Antigua Guatemala, su ciudad natal. A fuerza de ejercicios, ha ido desentrañando, en términos culturales y estéticos, muchas características que se han convertido en el abecedario de sus obras, por medio de una asombrosa capacidad de observación. Como buen artista, siempre está en búsqueda de respuestas, en su caso, a la imperiosa necesidad de ser feliz. En la actualidad tiene una galería de arte en donde expone su trabajo.

Fabián es un artista autodidacta, que se identifica con una actitud afable, llena de optimismo, la que manifiesta al hablar de su trabajo. No cabe duda que uno de los factores que da lugar a estas  cualidades es su devoción por los rasgos y las características culturales de La Antigua. Cabe señalar que, su dedicación a la pintura del paisaje, ha tenido un papel formador en su carácter, ha sido alimento de su espíritu y estímulo para su creatividad. Su trabajo reciente, nombrado Guatemágica, es la respuesta a esa búsqueda de la felicidad, la que se encuentra al dar amor sin reservas a la familia, a los compañeros de viaje, a los extraños; así como al vencer los miedos a las nuevas formas de vivir y en las nuevas experiencias. Estas reflexiones lo han llevado a tomar la decisión de vivir intensamente lo que pinta y pintar lo que considera bello.

Esperamos que el público que visita esta exposición descubra el lenguaje del artista, de tal manera que se maraville y sorprenda. Cada obra, que podemos considerar como una tendencia de un renovado realismo fantástico, juega mágicamente con el espacio y el tiempo. Sus paisajes nos  presentan una oportunidad para reflexionar sobre nuestro entorno vital y el nexo inexorable que nos une a él. Como sujetos inmersos en esa inmensidad natural, la lleguemos a reconocer como el bien patrimonial que es nuestra fuente de vida.

PEQUEÑOS PARAÍSOS
Fabián Hernández


A través de la serie Pequeños paraísos, Fabián Hernández presenta un tema que nos sacude profundamente por la calidad pictórica y la profundidad del mensaje cultural.

¿Cómo no estremecernos al contemplar el maravilloso cargamento transportado en un pequeño bote, si en el paisaje contenido en la embarcación y en el más pequeño elemento del equipaje pueden reconocerse fácilmente distintos rasgos o símbolos culturales de nuestra identidad guatemalteca?

Fabián Hernández trabaja con maestría los planos en el cuadro. Toda la composición está enlazada por un ritmo sugestivo que provoca la atención del público. El ojo va descubriendo cada objeto con el tiempo suficiente para adentrarse en el tema, de tal manera que cada observador puede ir construyendo su propia historia.

En los Pequeños paraísos, el pintor nos muestra realidades geográficas distintas, flotando mágicamente en el espacio. A estas visiones surrealistas, se une la exuberancia de la naturaleza, expresada por medio de floraciones que abrigan cuidadosamente el cargamento transportado.

La Fundación Rozas-Botrán se complace en ofrecer este nuevo mural del Cubo Blanco, pintado por primera vez sobre un enorme lienzo. Esperamos que después de la visita, cada persona lleve un pequeño paraíso en su imaginario.






Galería el Túnel presenta la exposición PER NEXUS del artista contemporáneo  MAX LEIVA

Creador de varios monumentos icónicos en Guatemala, el artista presenta su primera exposición en Guatemala desde el año 2012

PER NEXUS se presenta en Galería El Túnel ubicada en la 16 calle 1-01 zona 10, Plaza Obelisco y permanecerá abierta al público del 7 al 28 de noviembre, en los horarios de la galería  de lunes a viernes de 9:30 a 19:00 horas y sábados de 9:30 a 13:00 horas, la entrada es libre. PER NEXUS  presenta el más reciente trabajo del artista tras su última exposición en 2012 y cuenta con 18 obras que se representan como la opción ideal para coleccionistas y amantes del arte contemporáneo.

 “¡Qué relato!  Indudablemente la biografía de este artista debería de atraer a los escenógrafos más exigentes.  De las prótesis dentales en el laboratorio de su padre ortodoncista, a la escultura monumental, pasando por el ciclismo profesional, la ilustración de la camiseta de su promoción en el servicio militar (Suiza), hasta hacer pan en la panadería de su madre… : no cabe duda que este recorrido iniciático y novelesco fueron determinantes en la formación  de Max Leiva, tanto por la magnitud de la experiencia existencial, como por los caminos que eligió que lo conducirían a lo que es su esencia hoy en día: creación artística y en sí, escultura”. Expresó Noël Coret, Estudioso del Arte y quien fuera Presidente del Salón de Otoño (París – Gran Palacio de Bellas Artes).


PER NEXUS de MAX LEIVA 

Fui cautivado por el espíritu comunal de figuras acurrucadas, apoyándose unas a otras en el esfuerzo por levantar un bloque que, en otras circunstancias, le rompería la espalda a cualquiera.  Era mi primer encuentro con la obra de Max Leiva, seguido por el descubrimiento de su trabajo que enaltece la familiaridad.  Cada miembro del grupo se alza en torno al bloque, con sus torsos ligeramente lanzados hacia adelante, con el pesado objeto posando en forma casual en sus hombros.  Nadie está encorvado, nadie se sobresalta como un trabajador izando un yunque.  El bloque descansa en sus hombros, indiferentemente.  Hay un fuerte sentido de comunidad en la obra de Leiva ya que las tareas se comparten; tanto así que, en una segunda pieza, otros personajes – los mismos personajes, aunque realmente no importa – alzan el mismo bloque, ahora con algunas figuras al revés, las cuales están balanceándose sobre las espaldas de sus compañeros, levantando el bloque con los pies.  Trabajan sin esforzarse.  Esta labor es fácil puesto que todas estas personas incorporan el mismo ethos(carácter distintivo), sin pathos(padecimiento).

En otros escenarios, un hombre está de pie, mientras sostiene a otro en su espalda, en el aire; más figuras aéreas se apilan en forma de torre, sus rostros curiosos y sinceros, como si observaran un evento singularmente importante, sobre una agrupación de gente – aunque quizá no sea así; quizá sólo miren el final tumultuoso de un partido local de fútbol.  Otra pieza presenta a dos personas fusionadas en una por el abdomen, una erguida y la otra boca-abajo, entrelazando los dedos, haciendo un esfuerzo físicamente imposible por mantenerse de pie.  Hay tanto hombres como mujeres – puede ser difícil distinguirlos.

Podrían ser personas nativas o inmigrantes asimilados, con sus rostros ensombrecidos y esculpidos, con apenas suficientes facciones para que se perciba que los participantes comparten una lucha que se siente entre cada uno, pero claramente no tanto si cada uno tuviera que luchar solo.  Las piezas de Leiva exponen esta realidad sutil.  A veces indescriptibles e imperturbables, sus personajes se ayudan entre sí, ya que en el mundo de Leiva, el individuo es menos importante que el colectivo, con el sentido de la responsabilidad en conjunto, plasmada de la forma más sencilla posible, como si todos reconocieran su lugar desde su nacimiento. 

 

Debemos reconocer que, de forma conmovedora, esto no es una obra de teatro, sino la vida real.  Percibo esto en la obra de Leiva cuando nos muestra una serie de figuras, sus espaldas contra un muro negro, con caras de un oscuro portentoso, anticipando el resultado de una aventura hacia el norte.  Sin embargo, ésta no es la parte más inquietante de la escena.  Hay un hombre, sus brazos regimentados, paralizados de cada lado, su cabeza gira y examina un grupo a su derecha.  Lo perturbador de esta pieza es que estas personas están separadas entre sí y desconectadas.  Un compañero a su derecha aprieta sus manos entre las piernas, como un niño avergonzado.  De modo impresionante, los demás personajes observan una figura central, sola – su rostro está borrado y oscuro.  Como monolito erguido, esta persona sostiene dos libros en cada mano, con el lomo de los textos a la vista.

 

Interpreto aquí un elemento escolástico, enfocado en el individuo.

 

Todos los personajes aquí están balanceándose sobre una vara, o un sendero, que los lleva desde lo colectivo hacia lo insular.  Leiva ha construido Pernexus, aunque ésta es una exposición que balancea tanto el nexuscomo el nadir.

 

Traducción del texto en inglés de Ryan S. McMullen

Los Ángeles, California – octubre, 2018.

LA SEGUNDA EDICIÓN DEL COLECTIVO  COLECCIONABLE SE PRESENTA EN GUATEMALA

 

Fortaleciendo el mapa de las artes visuales

 

La gestión de artes visuales, que principió en el 2015 con la iniciativa de Luciano Benetton dio como resultado un original documento impreso que forma parte de una colección mundial, se afianzó en el 2017 con la primera versión de Coleccionable, un evento comisionado de artes visuales, itinerante y cíclico, dirigido a los artistas establecidos que se encuentran en constante fortalecimiento de su trayectoria.


La segunda edición del colectivo permanecerá abierta en la Galería Puntocero,  12 calle 2-25  zona 10, edificio AVIA 2do. Nivel, del 6 de diciembre al 30 de enero, en horario de lunes a domingo de 10 am a 8 pm. La entrada es libre. Coleccionable permite la continuidad de la difusión de la obra de guatemalteca, y cuenta con la presencia de artistas centroamericanos e invitados de otras latitudes.

El modelo de trabajo comisionado para este evento colectivo cíclico está dando el resultado esperado en el que los artistas participantes tienen un reto que los motiva a producir su obra con determinación y disciplina. Existe la expectativa del reencuentro consigo mismos, dado que al volver la vista atrás, se evidencia el avance de sus propuestas. Coleccionable se presenta como la oportunidad de observar  la evolución  del grupo.  

 

El colectivo  enfatiza la vigencia del interés por fomentar el coleccionismo, sobre la base de estrategias diferentes, para ampliar el rango de públicos interesados y difundir la variedad de opciones de tendencias y estilos que se ofrecen a los enamorados del arte visual.

 

Colectiva de pintura, escultura, fotografía, instalación, arte objeto

 

Artistas participantes

 

1  - Valenz

2  - Paty valladares y Tache Ayala

3  - Mónica Torrebiarte

4  - Maribel Saravia

5  - Luis Landa, Honduras

6  - Waseem A. Syed, Pakistán

7  - Alessandra Sequeira, C.R

8  - Denisse Quiñónez

9  - Josue Romero

10- Daniela Sierra

11- Fernando Valdiviezo

12- Gustavo Chacón

13- Juan Maurilio

14- Tony Vázquez-Figueroa, Venezuela

15- María Fernanda Carlos

16- Alexander Chavarria, C.R.

17- Anahí Martínez Mont

18-Jorge Linares

19- Carol Yurrita de Maselli

20- Legan Rooster, Honduras

21- Herssonoe 

 

La exposición “10 x 10” diez artistas, cien obras  y el plan piloto “Palabras Prestadas” de artes visuales para personas no videntes se presentan en la galería Rozas-Botrán de zona 14

 

El Espacio Cultural de  Rozas-Botrán de zona 14 presenta la muestra colectiva 10 x10 diez artistas, cien obras,   del 3 de agosto al 14  de septiembre de este año. Los artistas de Guatemala, El Salvador y Panamá apoyan  las obras sociales de la Fundación donando parte del monto recaudado a los fondos de la misma.

 

El Espacio Cultural Rozas-Botrán está empeñado en facilitar la reunión de diversas propuestas de artes visuales, aprovechando la capacidad de sus muros, la que permite una apropiada exhibición de obras de mediano y gran formato. Adicionalmente, cada día se consolida más la misión de la  plataforma de exhibición que ofrecemos a los artistas, al trabajar en conjunto para lograr el éxito de la cadena productiva de la creatividad cultural, que genera empleo y bienes financieros. 

Con la exposición 10 x 10, apostamos por la oferta de relacionar y poner a dialogar 10 visiones diferentes por medio de 10 obras de cada artista, con el ánimo de esbozar una panorámica de la producción actual en El Salvador, Panamá y Guatemala, mostrando diversidad de técnicas y aproximaciones a distintos temas.

Javier Alas, Camilo Almaraz, Lezzueck Asturias, Gabriela Alfaro, Tomás Carranza, Rodrigo López Argüello, Betty Paiz, Jairo Romero, Daniela Sierra, Patricia Valladares y Tache Ayala exploran distintas composiciones visuales. La destacada reunión de propuestas, además de difundir la excelencia del oficio, busca incentivar la reflexión grupal entorno al arte.

Dentro de este marco, la Fundación Rozas-Botrán presenta “Palabras prestadas” el primer plan piloto de un programa dirigido a personas no videntes, impulsado por la Junta Directiva de la Fundación, con la colaboración de Juan Alberto González, el Benemérito Comité Pro Ciegos y Sordos de Guatemala,  la Asociación de Ciegos de Guatemala y la Asociación de Ciegos para la Cultura y el Deporte.

El proyecto consistió en seleccionar 10 obras de arte visual, dentro de una tendencia figurativa, que fueron descritas por medio de textos literarios. Después de varios meses de trabajo se logró el producto final: 10 grabaciones profesionalmente narradas y musicalizadas. La descripción fue realizada por las señoras Ana Victoria Díaz Durán y Nicté Serra de Piñol. La grabación de voz y la musicalización estuvo a cargo de la Universidad Mesoamericana, por medio de la Facultad de Ciencias de la Comunicación.

Las obras de la colección “Palabras prestadas” han sido intercaladas entre la colección 10 x 10, con el objetivo de ofrecer a las personas no videntes la oportunidad de comunicarse e ir por todas partes, igual que las otras personas, para educarse, divertirse y desarrollar su creatividad, intelecto y talento artístico por medio de materiales culturales adecuados. Esperamos que todos disfruten de esta exposición incluyente y participativa.

 

La entrada es libre

 

Roberto Barahona presenta  “CONTRALUZ” en Paseo Cayalá

Dentro de la muestra, paisajes de Guatemala bajo otras luces

El Espacio Cultural de  Rozas-Botrán de Paseo Cayalá presenta CONTRALUZ,   del 3 de julio al 18 de agosto. El artista apoya  las obras sociales de la Fundación donando parte del monto recaudado a los fondos de la misma. La entrada es libre en los horarios del Centro Comercial.

Sabemos que nuestra percepción del mundo está guiada por la capacidad de sentir y de movernos dentro del espacio que nos rodea. Al hacerlo, nuestro cerebro almacena información y sentimientos. Esta combinación nos impulsa a crear conceptos de paisajes con identidad, porque hacemos nuestras las características geográficas de las regiones que admiramos, las reinventamos y las almacenamos en nuestro imaginario.

Nos queda claro que la geografía no es paisaje. La primera es una ciencia que describe los aspectos físicos de la superficie de la tierra, como el relieve y la vegetación. Y entendemos que los paisajes que son nuestros, contienen una carga simbólica que lo hace único e insustituible.

Hay artistas asombrosos, que pintan paisajes geográficos con la capacidad de trasladar al lienzo los sentimientos guardados en nuestro imaginario. Son artistas que descubren los estímulos multisensoriales de la naturaleza. Su retina interpreta la energía de la luz que da identidad a los paisajes. Así es Roberto Barahona, cuya obra presentamos durante julio y agosto en nuestro espacio Cultural de Paseo Cayalá.

Para ser expuesta, la elaboración de colección ha requerido cerca de 6 meses de inmersión del artista en los mundos de agua y clorofila de las Verapaces, su lugar de origen. Esta filiación nos descubre atmósferas verdes y azules que se han vuelto un símbolo para los guatemaltecos.

Juan B. Juárez, recordado crítico de arte, escribió un comentario titulado Barahona y el paisaje bajo otras luces, donde señala que “Aunque técnicamente bien construidas, las imágenes que Barahona rescata y resguarda en sus cuadros tienen algo de frágil y fugaz que se relaciona más con las preocupaciones ecológicas de nuestra época que con las sutilezas del impresionismo: una vivacidad muy fresca y espontánea, un equilibrio vital y una armonía que resulta vivificante para la imaginación y el pensamiento que se sienten allí cálidamente acogidos”.

Desde otro punto de vista, el gestor independiente, Jose Mario Maza Ponce, señala que, “Contraluz documenta, a través de una refinada técnica, el valor del oficio alcanzado en la pintura, una excusa a detalle tanto en las trasparencias del agua y cielo, como en el juego de verdes que a estos encierra. Nos invita al viaje dentro de un universo paralelo y traslada sensaciones en sus juegos de luz: viento fresco, brillo de hojas, juegos de sombras en tierra mojada los que nos permiten ser parte y convivir con la obra...”  



“A LA ALTURA DE LOS NIÑOS”  una experiencia infantil rodeada de arte se exhibe en la Galería Rozas-Botrán zona 14

 

La Galería Rozas-Botrán de zona 14  presenta la novedosa exhibición “A la altura de los niños” que tiene como objetivo sembrar el interés por el arte y los valores que conlleva en los más pequeños. La muestra inaugura el 12 de octubre y permanecerá abierta hasta el 10 de noviembre, la entrada es libre y los horarios son de lunes a viernes de 9 AM a 6 PM y sábados de 10 AM a 1PM. Parte de los recaudado se destinará a las obras sociales de la Fundación dentro de ellas INVEGEM, CREA y el MURB.

 

El arte es el valioso instrumento que nos permite desarrollar valores humanos y culturales a través de diferentes programas de trabajo. En esta ocasión proponemos una exhibición “a la altura de los niños”, para acercarlos al arte. 

 

En ellos queremos sembrar semillas de imaginación, así como afianzar el valor de la cultura, estimular la comprensión y alentar la creatividad. Nuestra aspiración también consiste en proporcionarles un encuentro con la felicidad.

 

Para lograrlo, la galería, la museografía y las actividades están dispuestas como una vía para que los espectadores se introduzcan en el mundo del arte actual de manera alegre, educativa y entretenida.

 

Hemos comprobado que las propuestas artísticas cambian vidas, abren la visión y hacen comprensivas a las personas porque aprenden a respetar las formas de pensar de cada artista. Si desde que nacen, rodeamos a los niños de arte, veremos que llevarán a cabo grandes cosas en su vida.

 

Un niño expuesto a la bondad y a la belleza es más brillante y creativo y por ende será un mejor ciudadano. El ejercicio consiste en percibir con todos los sentidos, recibir cuanta información pueda enriquecer el conocimiento y cultivar la inteligencia.

 

A la altura de los niños es una exhibición incluyente, en la que todos están invitados a maravillarse como niños a través de la pintura, la escultura y la fotografía descubriendo series limitadas de grabados digitales, pinturas, ilustraciones y objetos de arte.